для чего компрессор в музыке
Для чего нужен компрессор в музыке?
Опубликовано: 2017-01-23 / Автор: Сергей Хмарук
Многие начинающие музыканты в том числе и гитаристы, которые лишь недавно начали увлекаться звукозаписью, довольствуются некоторым базовым музыкальным оборудованием и программным обеспечением, и чаще всего даже не знают для чего нужен компрессор в музыке и что это вообще такое.
Для них наиболее важно не то, как будет звучать их запись в конечном итоге, а то, как качественно и красиво они смогут сыграть на своем любимом музыкальном инструменте. А такой подход к записи изначально в корне не верный и чреват в пустую потраченным временем.
С развитием мастерства у музыкантов возникает желание сделать звук своей записи более качественным, интересным и приятным на слух. Часть этой сложной задачи сможет решить компрессия звука. К счастью, на сегодняшний день существует множество простых путей достижения этой цели, так как дорогостоящее для начинающих артистов музыкальное оборудование может с легкостью заменить компьютерная программа.
Что такое компрессор?
Компрессор – прибор динамической обработки звука. Существует множество видов компрессоров с различными функциями, но основная суть их работы заключается в том, что они анализируют входной сигнал и в зависимости от настроек ослабляют или усиливать его на определенную величину.
Это нужно для того, чтобы выровнять громкость звучания композиции или выделения отдельных партий миксе. Например, при записи вокала может возникнуть ситуация, когда вокалист поет с перепадами в динамике голоса, так что слова теряются в общем звучании. Чтобы этого избежать, применяют компрессию и «вытаскивают» пропадающие участки на нужный уровень.
Принцип работы компрессора
Компрессор может быть отрегулирован по нескольким параметрам. Самые основные – величина компрессии и «точка перегиба»: в первом случае контролируется степень заглушения или усиления сигнала на выходе, а во втором случае – устанавливается уровень сигнала, после которого он не подвергается компрессии.
Также важным фактором динамической обработки является время атаки и время восстановления. Время атаки – величина, указывающая на скорость реагирования компрессора на превышение уровня входного сигнала, а время восстановления показывает на те же параметры, но с точностью наоборот. Время атаки и время восстановления особенно важно выставить на нужный уровень при записи ударных, иначе во время удара бас-бочки будут заглушены все верхние частоты и тихие звуки.
Такую задачу можно решить увеличением времени атаки – так компрессор «пропустит» момент удара бас-бочки и не заглушит высокий диапазон. Альтернативой для решения этой проблемы возможно применение устройств с другим алгоритмом компрессии. Они работают не по принципу точки перегиба, а изменяют все сигналы, но в зависимости от их уровня – чем слабее сигнал, тем меньше он подвержен изменению.
Такие компрессоры дают на выходе более мягкий и приятный звук, к тому же они просты в управлении, так как у них есть только один контролируемый параметр – уровень компрессии. Из-за того, что компрессор не в состоянии отличить шум от полезного сигнала, он может увеличивать громкость помех во время пауз в записи. Для предотвращения такой проблемы применяются экспандеры или простые гейты. Они заглушают шумы в моменты, когда происходят паузы в партии.
Компрессор в музыке
Компрессоры имеют достаточно сложную конструкцию в зависимости от количества параметров, которые они регулируют. В недорогих компрессорах часто используется автоматическая регулировка времени атаки и восстановления, что, несомненно, облегчает жизнь начинающих музыкантов и дает возможность полностью погрузиться в музыку.
Еще более легкий способ – использовать программы-компрессоры, которые очень часто встроены в секвенсоры и аудиоредакторы и имеют множество разнообразных пресетов и эмуляций. Сейчас компрессоры используются повсеместно, будь то концерт или студийная запись, и каждый использует его по своим музыкальным предпочтениям.
P.S. Рекомендуем отличный ресурс, на котором можно смотреть и слушать лучшие новые клипы.
Компрессор в музыке
Компрессор в музыке — обязательный элемент обработки. Давайте разберемся, для чего же нужны компрессоры в музыке. Компрессия — это выравнивание сигнала путем его сжатия. Компрессия нужна для того чтобы убрать различие между самым громким и самым тихим звуком в записи. Правильно примененная компрессия делает запись приятной слуху, избавляет от скачков и перепадов.
Принцип работы компрессора
Настройки компрессора
Основные настройки компрессора: порог срабатывания, атака, спад, колено и соотношение. Давайте рассмотрим настройки подробнее:
Threshold или порог срабатывания — момент в который срабатывает компрессор. Визуально выглядит как линия, пересекая которую, сигнал подвергается обработке.
Attack или атака — определяет скорость срабатывания компрессора. При малой атаке копрессор срабатывает быстрее.
Release или спад — Скорость возврата сигнала к исходному значению.
Knee или колено — встречается не во всех компрессорах, влияет на характер работы компрессора.
Ratio или соотношение — настраиваемое соотношение сжатого сигнала к исходному.
Соотношение нужно выбирать только после установки порога срабатывания. Как только обработка компрессором становится заметной, немного покрутите ручку соотношения назад. Так вы сможете сохранить характер звука при компрессии.
Компрессор в музыке — это работа всех параметров. Только так можно добиться естественности звучания. Помните, что излишне быстрый спад делает динамику нестабильной, а очень быстрая атака убивает транзиенты.
Сведение для чайников. Компрессор.
Привет. Поговорим о компрессоре?
В интернете полно уроков по сведению, но, когда мой путь только начинался, были сложности с тем, как использовать приборы в инсертах. Нет, не проблема нажать пару кнопочек. Проблема понять, как, зачем и почему именно их (кнопки и ручки) нужно крутить. А вот этого и не объясняли.
Оставлю это здесь, может, кому пригодится.
Итак, перед нами компрессор. Я люблю FabFilter, он самый наглядный.
Разберем по кнопкам:
Колено управляет изгибом компрессии на пороговом значении. Мягкое колено медленно увеличивает соотношение сжатия; уменьшает заметность перехода от несжатого сигнала к сжатому, особенно это нужно там, где переход более заметен.
При жёстком колене компрессия начинается и прекращается резко, что делает её более заметной.
Я использую в своей работе либо мягкое, либо среднее. С жестким надо быть поаккуратнее.
Сильно не давите. Особенно на голосе. 2-3 обычно достаточно.
Проще говоря, значение атаки может как сгладить сигнал, так и усилить.
Хотите «четкую» бочку? Атака для таких случаев от 5 до 7, чтобы звук бочки только успел «проскочить» и усилился.
Хотите сгладить партию «жирно играющего басиста»? Атака побольше.
Так же, он помогает сгладить и частично убрать ненужные звуки.
Есть вопросы? В коммент 🙂
Звукорежиссура
149 постов 1.3K подписчиков
Правила сообщества
— в сообществе запрещены оскорбления;
— посты, не соответствующие тематике сообщества, будут переноситься в ленту;
— в сообществе отключена премодерация, поэтому, добавляя посты, убедитесь, что они наполнены качественным контентом, а так же, не повторяют предыдущие посты;
Все что я знаю, так это то что компрессор на клин ложить не надо
У меня компрессор такой
Вот и курсы по звукорежиссуре на пикабу подъехали, молодец!)
вот тоже компрессор. но я поставил плюс
15 ПРАВИЛ ЗВУКОРЕЖИССЕРА
2) Убавление уродливых частот более эффективно, чем усиление приятных.
3) Каждый звук должен иметь назначение. Не выбирайте много семплов с целью набрать больше 50-ти звуков в треке, если вам действительно нужны лишь 25. Минималистичная работа позволяет избежать грязи в финальном миксе.
5) Обрабатывайте звуки по отдельности. Плагины помогут вашему звуку быть неповторимым в общем миксе.
7) Тренируйте ваши уши: если вы слушаете музыку, уделяйте внимание отдельным инструментам в отношении громкости, эквалайзинга, использования фильтров, и т.д. звучит поверхностно, но это не так: если вы постигните принцип музыкальной функциональности, вы получите абсолютное преимущество в продюсинге.
8) Если можете, работайте быстро. Чаще всего проще закончить проект, если вы работаете над ним в один или несколько подходов. Иначе, это может быть дорогостоящая победа, включающая множество потраченных часов и пошатнувшуюся мотивацию.
9) Пытайтесь закончить один звук, прежде чем приступить к другому, концентрируйтесь на одной теме и не прыгайте на другие, после переключения между темами вы больше не сможете обнаружить ошибки. Акцентрируйтесь на вашей идее
10) Эффективность дать некоторым проектам отдохнуть и переработать их впоследствии со свежими идеями, но делайте так, только если вас устраивает столь глубокая работа. Продвигайтесь детскими шажками, но заканчивайте их.
11) Не работайте на очень большой громкости. Ваши уши очень быстро устанут и не смогут «сказать» вам правду о ваших идеях. Работайте на постоянной громкости в течении сессии.
12) Не делайте детальную аранжировку или эквализацию под влиянием чего-либо
14) Помогает спектральный анализ. Люди несовершенны в работе ушами, но профессиональны в работе глазами. Вы можете увидеть то, что не можете услышать.
Инструмент ксам_себе_керамиста. Часть #2
Привет подписчикам и всем рукодельникам!
В прошлый раз мы говорили про самодельный инструмент для работы с глиной (С чего начинается мастерская. Инструменты #1) и я обещал в продолжении рассказать про инструмент, который можно сделать самому, но лучше купить, кроме того, присмотревшись к своему рабочему столу, я нашел ещё несколько интересных примеров того, как вещи изначально предназначенные для совершенно иных целей, становятся незаменимым инструментом керамиста — самоучки.
Итак, набор керамиста, который можно купить практически везде от aliexpress до самого захолустного магазина для творчества в самом небезопасном районе вашего города. Стоит он ± 300 р. и если брать соотношение цены, качества и востребованности в работе, он своих денег стоит. Можно сделать инструменты из набора самостоятельно, но затраты времени и сил выйдут далеко за 300 р. тем более, что далеко не у всех есть доступ к необходимому оборудованию.
Как правило, набор состоит из 5 — 8 стеков. Для начинающего это более чем достаточно, т.к. стеки двусторонние, вы получаете целых десять инструментов: петель, лопаток, игл и пр., с помощью которых можно сделать что угодно.
Полностью деревянные стеки мне не зашли, когда они впервые попали ко мне в руки, я уже привык к самодельным инструментам, а половина стеков из попавшего ко мне набора, казались просто ненужными. Кроме того, цельнометаллические или металлические с деревянной ручкой просто дольше служат.
Теперь поговорим об инструментах, которые изначально не предназначены для работы с глиной, но могут быть очень полезны в нашем нелегком деле.
Как-то лет 10 назад, купил я в хозяйственном магазине такой вот набор резцов. Не знаю, на работу с каким деревом рассчитывали китайские инженеры данные девайсы, но один из резцов погиб при первом же столкновении с куском отечественной березки. Поняв свою ошибку, я закинул их на дно ящика с инструментами до тех пор, пока не возникла необходимость слепить из пластилина модельку для литья с достаточно сложным узором, а под рукой были только отвертки саморезы и гвозди. Именно тогда я открыл эти резцы заново. Стало ясно, что с их помощью можно сделать много интересного и в керамике.
И вот что можно делать при помощи этого производного от китайского экономического чуда:
1) Угловой резец. Елочки всех форматов, а так же фактурные линии с выступающим узором.
2)А такие узоры можно получить полукруглым резцом. Я с помощью этого инструмента делаю имитацию кольчуги, черепицу на крыши домов и чешую для всякого зверья.
Остальные дублируют показанные на фото с изменением размеров, либо служат ножами для резки массы, иногда они ещё помогают в прорезании забытых узоров, когда изделие уже высохло или даже прошло утильный обжиг.
В прошлый раз я забыл рассказать о том, что старую шариковую ручку можно превратить в невероятно полезный инструмент.
Можно набивать на кожетвердую поверхность изделия всевозможные кружки разных размеров и получать из них различные узоры.
А острый конец стержня подойдет для нанесения мелких точек как, например, на этой лампе.
Да. Старая расческа. Про неё я тоже забыл, т.к. сейчас я не ленюсь набивать шерсть на фигурки обычным стеком, но пару лет назад, она меня очень выручала.)
А ещё с её помощью можно создавать элементы прорезного узора со множеством параллельных линий.
Обычная чайная ложка — прекрасный инструмент для лощения (про лощение поговорим отдельно)
А теперь хочу сказать о том чего нужно избегать. Бойтесь пластиковых стеков. Не тратьте на них деньги, бегите от них… Большая часть из того, что мне попадалось не подходит даже для работы с пластилином. Поэтому, если вам предложат что-то подобное, вы знаете что делать. )
Конечно, всё выше сказанное — это лишь результат моего личного опыта и даже вкуса, поэтому вам могут зайти пластиковые инструменты или не понравится набор керамиста, а деревянные стеки вы вообще будете хранить в сундуке и доставать только по праздникам, но я надеюсь, что данная статья всё же будет вам полезна.
На этом всё. Спасибо за внимание!
Создание глубины в миксе
Опубликовано в журнале «Sound on Sound» в феврале 2009 года.
Перевод: Бережной Вячеслав
В реальной жизни мы слышим звук в трёх измерениях, и хотя в стереозаписи все источники, очевидно, размещены перед слушателем (в диапазоне слева – справа звуковой сцены), но существуют определённые методы, позволяющие получить ощущение того, что они находятся также и ближе – дальше (то есть, вглубь звуковой сцены). К примеру, близкие звуки имеют тенденцию быть громче, чем дальние – и это очень легко воссоздать в миксе. Но кроме этого, имеется много других факторов. Таким образом, используя их, Вы сможете добиться намного больших результатов, чем если будете полагаться только лишь на фейдеры, управляющие громкостью. В этой статье я расскажу о многих путях, которыми Вы можете управлять этим аспектом своего микса.
Эквализация для создания расстояния
Если Вы хотите поместить кое-что на задний план микса, это должно быть не только тише фронтальных звуков. В этой партии должно быть меньше и высоких частот, чтобы подражать тому способу, которым их поглощает воздух. Чтобы усилить иллюзию расстояния, Вы можете также срезать и низкие частоты (ниже 150 – 200Гц). Если рассматриваемый инструмент записывается через микрофон, то размещение его дальше от инструмента (на стадии записи) поможет ещё больше укрепить иллюзию.
Срез высоких и низких частот поможет заставить звуки казаться более отдалёнными.
Используйте правильную реверберацию
Обрабатывая ревербератором отдалённые звуки, выбирайте диффузный (рассеянный) тип реверберации – то есть, другими словами, без слишком большого количества деталей. Кроме того, уберите на ней некоторые высокие частоты (так же, как и на источнике). Отдалённые звуки обычно сталкиваются с большим количеством отражающих поверхностей, чем близкие, поэтому Вы можете позволить себе добавить к этим звукам больше реверберации. Тем не менее, не слишком переусердствуйте с этим эффектом, если у Вас нет художественной потребности в нём – современные записи имеют тенденцию быть очень сухими по сравнению с миксами, сделанными в 70 – 80-х годах. Как правило, чем более просторна и разрежена аранжировка, тем больше реверберации Вы можете использовать, не опасаясь затопить всё содержимое. Миксы с плотными аранжировками обычно извлекают выгоду или из меньшего количества реверберации, или из использования так называемой «окружающей» реверберации – то есть такого эффекта, где присутствуют только ранние отражения.
Комбинирование повторяющегося эха и реверберации является отличным способом создания расстояния, особенно если у Вас есть ленточный дилэй (или его виртуальная эмуляция). По сравнению со стандартными цифровыми задержками, их повторы менее стерильны и однородны. Однако, если в наличии только обычный цифровой дилэй,попытайтесь срезать частоты ниже 200Гц и выше 4кГц. Также стоит поэкспериментировать с аналоговой задержкой (или её эмуляцией), потому что она имеет довольно тусклые и неясные повторы.
Чтобы создать впечатление от расстояния, могут использоваться плагины-эмуляторы ленточного эха, такие, как Universal Audio RE201 Space Echo. Если у Вас нет доступа к такому процессору, Вы можете попытаться использовать цифровую задержку, при этом срезав частоты ниже 200Гц и выше 4кГц.
Такие эффекты, как хорус, имеют тенденцию отодвигать звуки назад, заставляя их казаться менее сфокусированными. Таким образом, вы можете использовать его (или подобный ему эффект) на клавишных подкладах, которые предназначены для того, чтобы сидеть позади микса. Вы также можете достичь подобного результата, используя двухканальный питч-шифтер, чтобы создать два дополнительных слоя – один, смещённый на 7 центов вверх, а другой – на такое же количество вниз. Roland Dimension D (или эквивалентный ему плагин) может создать подобное хорусу пространственное распространение, но не давая слишком очевидного ощущения своего присутствия. Если Вы должны использовать хорус на звуке, который должен находиться во фронте микса (как например гитара), то держите этот звук ярким и свободным от чрезмерной реверберации. Обычно это приводит к хорошим результатам.
Модуляционные эффекты, такие, как хорус Roland Dimension D (или его виртуальная версия от UAD), могут помочь расфокусировать звук, убирая его с фронта звуковой сцены и оставляя место для других звуков, которые требуется выдвинуть вперёд. В качестве альтернативы, Вы можете использовать питч-шифтер, немного расстроив каналы и панорамировав их в противоположные стороны.
Вся перспектива – в контрасте: если какие-то звуки убраны назад, и сделаны менее яркими и более реверберирующими, то они должны быть уравновешены более яркими и сухими звуками, находящимися впереди микса. Не делайте ошибку, пытаясь полностью сохранить исходные звуковые качества каждого инструмента. В итоге Вы можете обнаружить, что задник звуковой сцены пуст, а фронт – переполнен (или наоборот).
Ведущий вокал будет казаться очень близким к слушателю, если на нём будет мало (или вообще не будет) реверберации. Вы можете создать очень драматичные эффекты, если сделаете некоторые вокальные элементы абсолютно сухими и добавите «воздуха», подняв частоты между 7 и 10кГц. Вероятно, такую вещь не стоит использовать для всего вокала, звучащего на протяжении всей песни, но для некоторых особенных фраз, которые должны звучать прямо в лицо слушателю, это может быть очень эффективно. Компрессор может усилить дыхание в таких близких вокальных партиях, заставляя их приблизиться ещё больше.
Задержка для глубины
Примите во внимание, что использование задержек вместо реверберации добавляет вокалам больше свободного места. Альтернативно, Вы можете скомбинировать задержку с небольшим количеством реверберации, или использовать реверберацию с большой пред-задержкой (в районе 90 – 110 мс). Как Вы уже знаете, близкие звуки обычно более яркие, чем отдалённые. Поэтому, обрабатывая ведущий вокал, Вы часто сможете позволить себе использовать более яркую реверберацию с яркими ранними отражениями. Зачастую, полезно настраивать два ревербератора: один с искусственным звуком, типа пластины, другой – с ранними отражениями или образцом окружения. Этим путём Вы сможете сбалансировать характер ранних отражений с более очевидным характером листовой реверберации. Также, задержка может быть замечательной для того, чтобы создать звук гитарного соло на большом рок-стадионе, но при этом не отдалить его от слушателя.
Распланируйте свою аранжировку так, чтобы выбранные Вами звуки не входили в противоречие с концепцией микса. Например, яркие подклады гораздо труднее поместить на задний план звуковой сцены, чем более тусклые. Точно так же, если подпевки будут более яркими, чем ведущие вокалы, то они вряд ли усядутся позади его. Есть, конечно, и исключения, где бэки нарочно выдвинуты вперёд (как например в «Video Killed the Radio Star»), но, как правило, ведущий вокал должен быть всегда на первом месте. Чтобы было легче поместить подпевки назад, добавьте к ним большое количество реверберации или сделайте к каждой из партий несколько дабл-треков (по сути дела – это естественный хорус).
Если Вы используете барабанные сэмплы, попытайтесь не очень сильно обрабатывать их эквалайзером – даже если перед Вами стоит искушение сделать их ещё более яркими и большими. Если музыкальный жанр не требует, чтобы барабаны сидели впереди микса, то выбрав для них более естественный звук, Вы облегчите задачу построения правильной перспективы.
Освобождая место для вокалов, Вы можете использовать не только автоматизацию громкости, «наклоняя» такие вещи, как гитары и подклады, но и автоматизацию эквалайзеров, аккуратно срезая в нужных местах высокие частоты. Обычно применяется low pass фильтр с крутизной 12 или 18dB/октава. Он должен сделать аккомпанирующие партии менее яркими в тех местах, где они играют вместе с вокалами. Вы можете использовать эту технику как самостоятельно, так и в комбинации с автоматизацией громкости. Но не слишком переусердствуйте с уменьшением высоких частот, иначе это станет заметным для слушателя – а Вы вряд ли этого хотите. Проверьте свои субъективные ощущения, слушая микс снаружи студии (с открытой дверью). Если Вам удалось создать чувство глубины в миксе, то это будет слышно и здесь. И, заодно, Вы проверите общий баланс всех элементов.
Настройка в контексте
Всегда имеется искушение включать в соло разные индивидуальные элементы и решать, какую же обработку применить к ним. Но если у Вас мало опыта, это может привести к большому количеству больших и ярких звуков, борющихся друг с другом за место во фронте Вашего микса. Поэтому, основное решение о той или иной обработке индивидуальных партий следует принимать с учётом общего контекста микса. В большинстве поп-миксов вокалы находятся ближе всего к слушателю, гитары и основные клавишные партии – немного позади их, примерно рядом с барабанами. Дополнительные элементы, такие, как подклады и бэк-вокалы, могут быть отодвинуты ещё дальше. Послушайте вещь «Won’t Get Fooled Again» группы The Who. Вы заметите, что мощные гитарные и барабанные партии не настолько ярки, как Вы могли бы себе вообразить, и реально помогают вокалу проникнуть в самое сердце слушателя. Таким образом, современная тенденция эквализовывать всё до хрустального блеска не всегда является хорошей стратегией!
Тренируйте свой профессиональный слух – слушайте свои любимые коммерческие записи и пытайтесь определить, какие из описанных методик в них применялись. Скоро Вам легко будет это сделать, и Вы сможете применить эти знания и в своём музыкальном производстве.